DISTINTAS FORMAS DE BLANQUEAR LOS MARFILES

Existe muchas maneras de blanquear los marfiles que toman un color amarillento propio de la contaminación por grasa o humedad.

1- Con peroxido de hidrogeno (H2O2) (más conocido como agua oxigenada): compramos El H2O2 en una quimica de una densidad de 100 volumenes, rebajamos con agua al 50% y aplicamos sobre la pieza con un paño, colocandose antes guantes de goma para protejer las manos, luego cubrimos la pieza con un paño de trama abierta de color blanco o muy claro y ponemos al sol durante unas horas, tambien podemos utilizar lamparas de rayos UV pero es mas costoso el procedimiento. En el caso de las teclas de los pianos, humedecer con mucho cuidado para que no penetre en el instrumento, sino sacar las teclas del mismo. Repetir hasta blanquear , con piezas delicadas, como las teclas de pianos, no excederse en los blanqueos, ya que las mismas se pueden agrietar.

2-Con soda caustica (NaOH) y carbonato de calcio (CaCO3) talco: mezclamos 1 parte de soda caustica con 2 partes de talco y agregamos de a poco agua hasta formar una pasta (utilizar guantes de goma para protejer las manos), luego colocamos con pincel esta pasta sobre la pieza y dejamos secar de un día para el otro, al otro dia retiramos cuidadosamente el polvo con un pincel seco (utilizar barbijo). Repetir hasta blanquear .

Si una pieza de marfil estuvo en un lugar humedo guardada, antes de limpiar quimicamente, colocar dentro de un recipiente de vidrio o cristal y colocar varios días al sol.

Autor: SUPER AP

CÓMO RECONOCER MUEBLES BARROCOS

Muebles barrocos. Mobiliario barroco. El diseño barroco es más evidente en el mobiliario de finales del siglo XVII, varias décadas después de que los arquitectos barrocos italianos Gian Lorenzo Bernini y Francesco Borromini introdujeran sus innovadores enfoques en Roma. Durante la primera parte del siglo, el nuevo estilo tuvo influencia en las superficies, pero no en las formas. Sin embargo, en el último cuarto de siglo, se produjeron numerosas novedades. A finales del siglo XVII, se empezaron a utilizar frontales curvados en piezas grandes, como armarios y cómodas con cajones, que reflejaban la nueva arquitectura barroca. Destacan la fabricación de escritorios de influencia italiana, los cabinets. En las sillas, se pusieron de moda los tallados elaborados y los respaldos altos. Tanto las piezas inglesas como las continentales se realizaban con asientos y respaldos de rejilla como alternativa a la tapicería. También se realizaron sencillas variaciones de estas sillas con partes torneadas en lugar de talladas, pero se seguían utilizando los respaldos altos.

Autor: HOMECHIC

QUE ES LA CERÁMICA TALAVERA – CARACTERPISTICAS

Desde tiempos inmemorables la principal industria artesanal de la ciudad de Talavera, por la cual es conocida a nivel mundial, es la cerámica.

Se denomina cerámica de Talavera a un tipo de cerámica que se fabrica en la ciudad de Talavera de la Reina, en España, a base de barros del río Tajo  y  diferentes esmaltes. 

 La cerámica ha sido tradicionalmente una de las actividades económicas más importantes de la ciudad.

 Fueron clientes de la ceramica de talavera, desde los reyes, conventos, organismos oficiales hasta las personas más humildes.

Talavera fabricaba y exportaba sus cerámicas dentro del reino a Portugal e incluso a las colonias.

Su uso es para la realización de vajillas, fuentes, murales de azulejos y otros elementos ornamentales.

Es una de las cerámicas más populares de España y su fabricación es muy laboriosa.

Existen varios tipos de cerámica de Talavera, según las épocas y motivos, aunque destaca la típica cerámica de serie blanca y azul que imita los colores oficiales de la ciudad.

La cerámica renacimiento con colores azules, amarillos y naranjas.

La cerámica de montería, las series de casas, pájaros, etc.

Autor: PULPERIAVIRTUAL

MATERIALES NECESARIOS PARA RECICLAR UN MUEBLE – PASOS

Materiales necesarios:

  • pinturas acrilicas
  • patinas
  • betun de judea
  • cinta de enmascarar
  • guantes multiuso
  • decapante en gel
  • lana de acero
  • liquido desencerador
  • lijas finas y medianas
  • enduido, trapos
  • pinceles,lapiz negro blando.

Manos a la obra

  • Antes de empezar a pintar el mueble quite los herrajes. comience a trabajar limpiandolo.
  • si es de madera pintada y barnizada, use decapante en gel siguiendo las instrucciones del envase. retire los restos con lana de acero.
  • Si el mueble esta encerado, quite la cera con un trapo y desencerador. deje secar y luegolije hasta lograr una superficie suave al tacto.
  • Si el mueble es de madera nueva, comience lijando con lija mediana y termine con lija fina hasta lograr una superficie suave al tacto.
  • En todos los casos, si la madera tiene imperfecciones, rellene con enduido antes de lijar.
  • Cuando haya obtenido una madera con superficiesuave, pase a la pintura.
  • Comience sellando la madera con  una mano de pintura acrilica azul (opcion) diluida(3 partes de pintura en 2 de agua). deje secar y lije suavemente con una lija fina. retire el polvillo con un trapo. Luego la segunda mano de pintura. deje secar. si es necesario,pinte otra mano en sentido contrario. no sobrecargar el pincelpara evitar q se corra.

Empezamos a decorar

  • Una vez que la pintura este seca, empiece con las franjas,trazando las lineas con un lapiz negro blando.
  • Cubra ambos lados de las lineas con cinta de enmascarar.pase la pintura acrilica rojo borgoña. si es necesario,aplique otra mano. retire la cinta de enmascarar una vez que la pintura este bien seca.
    Si desea darle al mueble un toque añejo, pasele betun de judea con un pincel viejo. retire el excedente con un trapo seco y sin pelusas. deje secar 24 horas para  lustrar o embellecer el mueblecon toques de patina rojo oxido. deje secar 24 horas nuevamente y lustre.
    Mueble terminado y preciosisimo. según los gustos se pueden decorar con dibujos  cualquier tipo de figuras. los colores son a eleccion.
  • Este trabajo se realiza en puertas y muebles de la casa y tambien en alacenas.

Autor: ELCARRETONWEB

POR QUÉ COLECCIONAR JUGUETES ANTIGUOS?

SIN LUGAR A DUDAS EL MUNDO DE LOS JUGUETES LLAMA LA TENCIÓN DE PEQUEÑOS, ADOLESCENTES Y ADULTOS, TANTO LOS VARONES COMO LAS MUJERES VEN EN ELLOS ALGO MÁGICO, Y SI SON ANTIGUOS SEGURAMENTE LOS TRASLADARÁN A ESA INFANCIA EN LA CUAL HAN DISFRUTADO JUGAR CON ELLOS

AHORA BIEN EXISTEN MUCHAS PERSONAS HAN DECIDIDO COLECCIONAR ESAS RELÍQUIAS DE LA NIÑEZ Y PARA ELLO NO SOLO PONEN MUCHO EMPEÑO EN CONSEGUIR PIEZAS DE VERDADERA COLECCIÓN SINO QUE LO LLAMATIVO, ES QUE MUCHAS VECES ESOS JUGUETES ESTAN EN CAJA Y SU ESTADO ES IMPECABLE, Y ESTO PUEDE SER, O BIEN PORQUE SON DE UN LOTE DE ALGUNA VIEJA JUGUETERÍA QUE CERRÓ O BIEN PORQUE SU DUEÑO LO QUERÍA TANTO QUE DECIDIÓ  USARLO CON BUENOS TRATOS Y GUARDARLO EN BUEN ESTADO PARA SUS HIJOS, NIETOS, ETC.

LAS COLECCIONES DE MUÑECAS ES OTRA DE LAS COSAS QUE LLAMAN LA ATENCIÓN , SOBRE TODO DE LAS NIÑAS, VER EJEMPLARES QUE CUENTAN CON MÁS DE 50 AÑOS EN SUS HOMBRITOS ES ALGO FANTÁSTICO, UNO INCLUSIVE PUEDE APRECIAR EN MERCADOLIBRE MUÑECAS Y JUGUETES DE MÁS DE 100 AÑOS, Y UNO SE PREGUNTA QUIEN HABRÁ SIDO EL DUEÑO ORIGINAL DE TAN HERMOSA RELIQUIA.

LO IMPORTANTE ES QUE EXISTEN COLECCIONISTAS  Y QUE GRACIAS A ELLOS TODOS PODEMOS DISFRUTAR DE LA MAGIA VISUAL DE VER JUGUETES DE ANTAÑO EN SUS EXPOSICIONES, A QUIEN NO LE HA OCURRIDO VER UN JUGEUETE DE SU NIÑEZ EXIBIDO Y RECORDAR COMO LO DISFRUTARON,  QUIEN SE LOS REGALÓ, ETC., ES ALGO QUE NOS PRODUCE UN NO SE QUE EN EL CUORE, DIFICIL DE EXPLICAR.

SON LOS JUEGUETES  LOS QUE MARCAN LA  IDEA FUNDAMENTAL DE CADA PERÍODO,  EN DETERMINADOS AÑOS LAS MUÑECAS FUERON  DE PAPEL MACHE, EN OTRO FUERON DE PASTA, O DE PORCELANA,  DE YESO, DE TELA, DE GOMA, DE PLÁSTICO,ETC  O SI HABLAMOS DE JUGUETES, LOS HUBO DE MADERA, DE LATA, DE GOMA, PLÁSTICO BLANDO Y DURO ETC,  ESTO SIN LUGAR A DUDAS INDICA ALGO, Y SON LOS COLECCIONISTAS QUIENES A TRAVÉS DEL ESTUDIO, LA INVESTIGACIÓN Y SUS GANAS DE MOSTRAR SUS RELIQUIAS, LOS ENCARGADOS DE MOSTRARNOS A TODAS LAS GENERACIONES LA EVOLUCIÓN DE LOS JUGUETES, QUE MARCARON UN ANTES Y UN DESPUES DE CADA ÉPOCA.

MUCHAS VECES ESTAS COLECCIONES PUEDEN DIFERENCIARSE, YA QUE HAY QUEINES COLECCIONAN SOLO  MUÑECAS DE PASTA DE DETERMINADOS AÑOS TANTO NACIONALES COMO IMPORTADAS, OTROS SOLO ELIGEN TENER NACIONALES Y DE MATERIALES VARIADOS SIN IMPORTAR EL AÑO, OTROS PREFIEREN LAS MUY ANTIGUAS, ALGUNOS ELIGEN SOLO JUGUETES DE CHAPA, LOS HAY QUIENES DECIDEN TENER JUGUETES DE TODO TIPO INCLUYENDO MUÑECAS DE ÉPOCAS DETERMINADAS (POR EJEMPLO JUNTAR TODOS LO SALIDOS DURANTE EL GOBIERNO DE PERON), ETC, LO IMPORTANTE ES QUE HAY PERSONAS QUE MANTIENEN VIVA LA INQUIETUD Y EL INTERÉS DE GUARDAR EN EL ARCON DE SUS SUEÑOS PODER MOSTRARNOS COSAS TAN LINDAS.

Y SI POR SI ACASO, TU ERES UNO DE ESOS COLECCIONISTAS DE JUGUETES O MUÑECAS ANTIGUAS , TE DOY LAS GRACIAS, PORQUE SI NO LOS COLECCIONARAS SEGURAMENTE YA NO LOS VOLVERÍAMOS A DISFRUTAR DE NUEVO, Y SI ERES UNA PERSONA COMO YO QUE NO SE DEDICA A COLECCIONAR JUGUETES, ENTRA EN MERCADO LIBRE, COLOCA  EN EL BUSCADOR JUGUETES ANTIGUOS,  Y TE ASEGURO QUE VAS A VER ALGUNOS JUGUETES DE TU NIÑEZ QUE TE VAN A EMOCIONAR TANTO, COMO AQUEL DÍA QUE TUS PADRES, ABUELOS O TIOS TE LO REGALARON.

ESPERO LES HAYA GUSTADO.

Autor: FARADAGA

RESTAURACIÓN DE UNA RADIO A GALENA O RECEPTOR DE CRISTAL

Muchos inician su búsqueda en el mundo de la radio en los actuales radio receptores o transmisores, radios a transistores o radios valvulares, pero tarde o temprano intentan reavivar el fuego de los viejos tiempos de radio. Buscan recrear una radio como en los viejos tiempos, sin electricidad. Nos referimos a las radios a galena o receptores de cristal. Esta búsqueda se da por muchos motivos: están aquellos que lo intentaron de jóvenes y no pudieron hacer que su galena funcione, están aquellos que años más tarde buscan la revancha, y están a quellos que no saben porque, pero les sorprende la idea.

Un receptor de radio de cristal – también llamado set de cristal – es un receptor de radio muy simple, popular en los primeros días de radio. No necesita ninguna batería o fuente eléctrica excepto el poder recibido de las ondas de radio que llegan a través de la antena exterior desde la emisora. Posee además una conexión a tierra. tan vital como la antena.

A la hora de adquirir o restaurar estos receptores tenga en cuenta estos consejos:

1) En primer lugar no existen radios a galena originales, existen radios, cada una aporta su cuota de originalidad. Ahora si lo que Ud busca es un receptor realizado en determinada época ahí estamos hablando de otra cosa y no de originalidad, sino de antiguedad.

2) Es muy probable que la piedra galena falte en el receptor que por casualidad encontró entre tantas cosas de su abuelo, y esté reemplazado por un diodo de germanio. Bien de ser así la radio o el receptor están alterados y no es lo mismo. La piedra de galena se puede adquirir o reemplazar por pirita y otros minerales. Pregunte que amablemente algún galenista le responderá.

2 bis) Aspecto fundamental un par de auricualres de alta impedancia. Hemos encontrado que en caso de detectores de galena un auricular de 200 kohms funciona muy bien, en caso de un auricular de 1,5 Mohms en adelante, coloque una resistencia de 47 kohms en paralelo a la salida de los mismos. Experimente, estos son valores de orientación. De hecho un diodo de germanio sea cual fuere no brinda la misma respuesta que un detector de galena. Si utiliza un auricular de tipo magnético, no necesitará la resistencia.

3) A la hora de hacer funcionar estos receptores cuesta mucho trabajo encontrar el punto justo de funcionamiento del detector de las galenas (el punto de contacto del «bigote de gato» con el mineral en cuestión). Tenga paciencia y busque traquilo este punto. Una vez encontrado se puede fijar ese punto. El mismo le brinda un mayor sonido respecto a otros que irá encontrando.

4) La antena es vital en estos receptores, se debe aprovechar toda la energía: para ello emplazar la antena lejos de conexiones e instalaciones eléctricas, con aisladores cerámicos en los extremos. A una altura de unos 5 metros y un largo de entre 15 a 40 metros. Si vive en lugares ventosos cuidado: la antena se cargará con energía electroestática y la descargará en Ud. Hay arrestadores de estática fáciles de construir.

5) La conexión a tierra ha de ser proporcional a la antena. Busque la tubería de plomo de su hogar o coloque una jabalina a tierra. Este punto es importante para una correcta recepción, aunque la radio funciona solo con la antena, Ud conecte tierra también. sabrá porque le decimos esto cuando lo experimente. Cuide de no romper, perforar los caños. Haga esto si su mujer no está en las inmediaciones…

6) Antenas de cuadro: de hecho son atractivas, poseen sus limitaciones, pero son seguras para el operador de radio ya que lo proteje de descargas producidas por rayos. A propósito: NUNCA OPERE CON SU RECEPTOR DE GALENA DURANTE TORMENTAS ELECTRICAS, RIESGO DE MUERTE ! ! !

7) En caso que quiera construir un receptor de galena: paciencia, paciencia y más paciencia. Solo así se llega. Respecto a los materiales no busque lo mejor de lo mejor al principio, con un modesto presupuesto puede tener un excelente receptor.

8) Estos nobles receptores tienen la ventaja de operar sin electricidad y la potencia de su «volumen» dependerá de: componentes, distancia de las estaciones de su propio detector, su antena, su tierra, estación del año (siendo el otoño y el invierno las mejores estaciones de propagación de ondas de radio), los auriculares, la calidad de las bobinas, locación y otros puntos más que llevarían a un libro y no una guía. Una radio a galena no es un mp3.

9) Hay numerosos foros de radio para intercambiar ideas y esquemas. Los aficionados son gente solidaria y siempre ayudan a quien necesita un dato o un esquema. Consulte los foros.

10) Las radios a galena son un viaje apasionante a los principios dejados por Tesla, Marconi, Edison y tantos otros más que nos permitieron acceder a la base de las comunicaciones.

Esta guía está dedicada a los galenistas, aficionados, curiosos que desde ya reciben mi cordial saludo desde aquí hasta la ionósfera. 73´s y DX a todos !

Autor: RADIO EDISSON

COMO ES LA ESTRUCTURA DE LA MADERA

La estructura tipica de la madera cosiste en largas fibras situadas diferntemente , en las diversas especies , pero siermpre en anillos concentricos partiendo del eje central del arbol ,.Estos anillos son el resultado de periodos altenados de crecimiento y reposo, correspondientes a las estaciones pricipales del año se llaman anillos anuales y sirven para indicar la edad del arbol.

Autor: ALVICTO

TÉRMINOS MAS USADOS EN ANTICUARIOS, ANTIGÜEDADES Y ANTICUARISMO

Términos y frases mas usuales en Argentina. Organizadas por RUBROS, en orden alfabético y con la intención de ayudar a despejar dudas y confusiones a los no iniciados.

  ABREVIATURAS : fr., francés -ing., inglés –

   – Palabras y frases de USO GENERAL :

 altorelieve: sobrerelieve. Sobresaliente de la superficie

 bajorelieve: hendidura en la superficie.

 bisel/ado: chanfle realizado en borde de vidrio u otro material.

 blazón: escudo de armas. Representa familia o lugar. 

 bronceríe: (fr.)aplicaciones de bronce en mueble, araña, etc..

 catalogado: clasificado profesional en el género, orígen, estilo, período, calidad, etc., que le corresponde.

 circa: alrededor del año, década, siglo.

 damasquinado : grabado en relieve. Originado en Damasco, capital de Siria. La ciudad mas antigua del mundo (6.000 Años) .

 ebanista: artesano que trabaja o talla la madera. Antig. el Ébano.

 ebanizado : proceso con tintas negras que simula ébano.

 garniture: (fr.) adorno, en general adornos de chimenea.

 grabado al ácido : decorado por acción controlada de un corrosivo.

 intervenido / intervención: restaurado. Modificado.

 Lidó: isla veneciana donde tejen bellos encajes a mano.

 Murano: isla veneciana donde elaboran bellos cristales.

 original: conserva sus formas, partes y colores. No es copia.

 pátina: avejentamiento que dá el tiempo -Modificación de la superficie visible mediante algún método -Terminación superficial con diversas técnicas para lograr un efecto en particular.

 pátina original: que conserva la pátina que le dió su autor y/o su antigüedad.

 pirograbado: dibujo hecho con herramienta muy caliente. 

 preservado: fué objeto de estudiadas y probadas operaciones para evitar o detener su deterioro por el tiempo.

 relieves: altibajos en la superficie (naturales o provocados).

 reserva: zona delimitada, con o sin decoración. 

 salomónica/o: cosa o forma referente al rey Salomón y judaísmo.

 tallado: decorado con herramientas.

 tallado a mano: decorado con herramientas manuales.

 torzado: retorcido en si mismo, real o aparente.

  – ILUMINACIÓN :

 cairel: pequeño adorno colgante hecho en vidrio o cristal. 

 candelabro: portavela de mas de 1 vela. 

 candelero: portavela de 1 sola vela.

 fanal: farol. Tulipa. Campana que deja pasar la luz.

 florón: roseta grande que cubre sujeción y conexión. 

 plafon: aplique cerrado para techo, pared o centro de araña.

  – MATERIALES :

 alabastro: piedra con apariencia de mármol, pero mas frágil. Es soluble en agua, no puede usarse en exteriores. Mayormente usada para tulipas, lámparas y estatuas de interior.

 bronce: aleación de cobre y estaño, básicamente. No exíste en estado natural – También : escultura de bronce.

 granito: piedra granulada, muy dura y pesada.

 mármol: piedra veteada, de baja dureza, semitransparente.

 marmolina: mezcla de mármol en polvo con ligante que lo solifica.

 petitbronce: (fr.)aleación metálica para moldeo por fundición, que copia los moldes con gran fidelidad -Estatua, estatuilla.

 piedra París: material de color beige claro, algo grisáceo, utilizado como componente de revoques o para moldeo de piezas.

  – METALURGIA :

 forjado: calentado en forja y luego prensado en balancín.

 forjado a mano: calentado al rojo y trabajado manualmente.

 martelé: (fr.)pieza con rastros del martillado que le dió forma.

 remache: pasador generalmente cilíndrico, machacado en sus extremos, usado para unir piezas de todo tipo y material.

 revenido: calentado del metal para quitar dureza y flexibilizarlo.

  – MOBILIARIO :

 ebanizado: entintado en negro, simulando madera de ébano. 

 enchapado: cubierto con lámina de madera.

 cola de milano: encastre antiguo de las esquinas, muy firme.

 de arrime: hecho para usarse arrimado a una pared.

 de centro: hecho para usarse en cualquier lugar del ambiente.

 fajas: piezas horizontales que evitan que se venza el mueble.

 lavado: deslustrado hasta dejar la madera limpia.

 lustre a muñeca: lustre manual a base de gomalaca.

 marqueteríe: (fr.)decoración incrustada, en diferentes materiales.

 multilaminado: panel formado por varias láminas de madera pegadas entre sí. Generalmente 7 o mas, desarrollado en 1.750.

 terciado/a: formado por 3 capas de madera pegadas entre sí. 

Autor: HISTORICAL INC.

COMO RECONOCER MUEBLES ANTIGUOS DE ESTILO INGLÉS

El estilo inglés surge en el siglo XVIII, como resultado natural del ingreso del país en un periodo de paz. Esta etapa coincide con la aparición de muebles de estilo inglés, resultantes de la introducción de la caoba, madera de gran belleza y ductilidad. El inicio está en el estilo William and Mary, surgido en Holanda. Aunque la consolidación del estilo inglés no llegará hasta la aparición del estilo Reina Ana. Se trata de un barroco puro y elegante, con muebles de para cabriolé de origen oriental, que sustituyeron a las chambranas con travesaños. Primeramente tenían un disco como base, luego cambiará por una garra sostenida por una bola. Hay ejemplos que presentan hojas de acanto o conchas en el remate. Son muebles lisos casi sin molduras, apenas con alguna parte dorada o una concha tallada. Diseño de muebles de estilo inglés: ? Las sillas Reina Ana tienen un nuevo elemento una pala central o splat en el respaldo con forma de copa estilizada, y las patas delanteras están curvadas. ? El estilo Georgian I-II: los muebles de estilo Georgian tienen muchas semejanzas con los Reina Ana, pero presentan un decorado recargado, las patas mantienen el cabriolé, e incluyen el pie con garra apoyada sobre una bola. Aparecen cabezas de sátiros, leones, rocallas y conchas. Este estilo se considera el verdadero inicio del barroco, y del Chippendale. ? Chippendale: este es un estilo emblemático porque representa un cambio en el pensamiento, lleva el nombre de su creador en lugar del nombre de un monarca. Thomas Chippendale nació en 1718, fue influenciado por el estilo Reina Ana, Luis XV, China, y desemboca en el neoclasicismo. ? En los siglos XVIII y XIX, conviven grandes diseñadores, cuyos trabajos mantienen su vigencia. -Robert Adam: un arquitecto que trabajó en Francia e Italia, y lleva nuevas fórmulas a Inglaterra, combinando óvalos y círculos, junto con rectas y dibujos florales como las hojas de acanto y los copones. Las sillas presentan patas rectas y el respaldo decorado con escudos. -Hepplewhite: emplea líneas onduladas, el enchapado de los muebles de estilo inglés y el uso de la técnica de taracea. Se le atribuye la creación del modelo de mesas pembroke, que es de línea alargada con dos hojas semicirculares. En ls sillas, las patas delanteras son más finas y los respaldos presentan forma de rueda, escudo, corazón, o están rematados con plumas. -Sheraton: sus línea son más rectas que las del estilo Hepplewhite. Las sillas tienen un respaldo cuadrado o rectangular rematado con liras, jarrones o escudos, con los asientos cuadrados. Aparecen los escritorios con persianas. También crea aparadores, sofás y mesas con 6 u 8 patas, las esquinas cóncavas o convexas y los frentes arqueados. Las maderas favoritas son la caoba, el limoncillo, y el sicomoro. La marquetería representa figuras, paisajes, emplea esterilla y mármol. También aparecen espejos en trípode y pedestales.

Autor: HOMECHIC

QUE TENER EN CUENTA PARA LA COMPRA DE UNA ARAÑA PARA EL HOGAR

En principio hay que elegir de acuerdo a la decoración que estoy creando.
Aunque el ambiente sea moderno, quedan expléndidas las arañas antiguas, que se usan hoy en día, para resaltar la calidad y calidéz de la casa.
Las podes encontrar con caireles, onda retro, art decó, que se usa tanto.
Escencialmente deberias fijarte en las fotos que te muestren los detalles bien de cerca. El bronce por ejemplo, que se vea robusto, dorado, las terminaciones de bronce te dan idea si es de calidad o sólo chapa de bronce, pues antiguamente eran de chapa bien gruesa, no una lamina delgada.
Además debe ser armónica en sus proporciones, ni demasiado cargada de caireles que luego parezca una «torta de cumpleaños». Yo elegiria algo fino.Pues de eso se trata algo antiguo, de dar calidez y elegancia al ambiente.
Las proporciones tambien deben coincidir con las dimensiones del ambiente y el alto del techo. Por ejemplo, debe tener una araña de comedor, una distancia de la tapa de la mesa de 1metro 20 cms. Si tu techo es muy alto, se puede alargar con una cadena tambien de bronce con un segundo floron de bronce que tape el agujero del techo, donde salen los cables de luz. La cantidad de luces debe ser calculada con respecto al tamaño de la mesa, si la mesa es para 8 peronas, calculale de 5 o 6 luces, por ej.
Para un living puede ser una araña mas alargada, no tan redonda como para un comedor, al igual que las arañas para habitaciones, que generalmente llevan 3 luces.
Para pasillos y recibidores son ideales los plafones o colgantes.
Nunca elijas tulipas de colores, pues no iluminan bien, salvo que estes buscando dar un toque de ambientacion diferente, que casi siempre son para los locales comerciales, como los hostels.
Cómo se limpian? Ahora no hay problema: dado que el bronce viene con una cobertura plastica de barniz que hace perdurar el color dorado, sinó, las casas de antiguedades deberian limpiar todo el tiempo el bronce que se ennegrece. Hacele esta pregunta al vendedor, es escencial que tenga el barniz.Y en cuanto a los caireles: dos cosas: o lo limpias con limpiavidrio y un paño seco, o, lo que es mejor, compras un aerosol de aire comprimido que se vende para las computadoras? y es mucho más práctico.

Autor: ANTIGUA2007

HISTORIA Y ORIGEN DE LA PORCELANA EUROPEA

En Europa la porcelana se comienza a fabricar a finales del siglo XVI. En un principio, éstas son híbridos de pastas blandas hasta que, en 1708, J. F. Böttger descubre la primera fórmula para fabricar auténtica porcelana de pasta dura, la que más tarde se propaga por toda Europa. Las fábricas más destacadas son sin ninguna duda las surgidas en Alemania y Francia. PORCELANA INGLESA———————— Inglaterra se incorporó relativamente tarde a la fabricación de porcelana (hacia 1740). Chelsea (1745-1769). Se concentra exclusivamente en porcelana de lujo. Es una porcelana de pasta blanda que presenta puntitos negros en las bases, es vidriosa y cremosa, de esmalte blanco lechoso aplicado en forma irregular. Predominan los colores morado, marrón y turquesa verdoso. Las figuras son huecas y de interior suave y los recipientes tienen los bordes color marrón chocolate. En un primer período (1745-1749) la marca es un triángulo inciso y en algunos casos, un tridente atravesando una corona en azul bajo esmalte. Entre 1749 y 1752 se introduce una nueva marca: un ancla elevada. Característico de estas piezas es la combinación de formas japonesas (Kakiemon) y la decoración europea (por ejemplo, escenas de la fábula de Esopo). En el período del ancla roja (1752-1757) se introduce una porcelana traslúcida y verdosa a contraluz. El esmalte se torna azulado en los ángulos. Las piezas están decoradas al estilo Meissen o Kakiemon, o con grandes especies botánicas, y las figuras presentan una decoración muy austera. La paleta de este período tiene azul cielo intenso, verde oscuro, marrón, morado, rosa, rojo de hierro y amarillo oscuro. Son característicos del período las soperas rococó, las piezas Mans Sloane y las miniaturas fabricadas en ?jovencita en un columpio?. En el período del Ancla Dorada (1759-1769), Chelsea realiza figuras del estilo totalmente rococó. La añadidura de cenizas de hueso permite realizar piezas más sólidas y opacas; el esmalte es grueso y azulado y tiende a producir grandes grietas. Bow (1744-1745). Menos exclusiva que Chelsea, la pasta de Bow es blanca, de textura granulosa y superficie irregular. El esmalte es vidrioso, grisáceo o verdoso y tiende a agrietarse. Dominan el azul intenso, amarillo oscuro y morado púrpura intenso. Las figuras son modeladas a presión por lo que tienden a oscurecer los detalles. Los personajes están directamente copiados del Meissen o inspirados en modelos orientales. Presentan excesiva decoración. Worcester (1752-1774). Se trata de una gama de artículos sorprendentemente sofisticados. La primera porcelana de Worcester contiene esteatita, lo que la hace resistente al agua hirviendo (adecuada para cafeteras y teteras). El cuerpo tiene un tono verdoso a contraluz y hay zonas que presentan pequeños puntitos negros. Todas las piezas de Worcester tienen un estrecho margen sin esmaltar alrededor del anillo del pie, resultado de un procedimiento ideado para evitar que el exceso de esmalte gotee sobre el horno durante la cocción (pegging). En esta primera etapa, las piezas son pequeñas (menos de 15 centímetros), de formas inspiradas en la platería y con decoración chinoiserie y floral rodeada con marcos dorados de gusto rococó. Worcester (1774-1810). En este período, bajo una nueva dirección, la fábrica inglesa realiza piezas insuperables. La pasta blanca adquiere más dureza y brillantez, el esmalte es más refinado y el modelado más regular y grueso, aunque el esmalte y el cuerpo, mantienen su apariencia grisácea. Son piezas con influencia rococó, pero de inspiración neoclásica. Se fabrican artículos utilitarios y las figuras pasan a segundo plano. Worcester (1810-1840). El neoclasicismo es el estilo dominante en esta etapa: líneas clásicas y sin extravagancias, decoración casi fotográfica y marcos rectangulares. Los colores favoritos son el salmón, naranja y gris marmóreo, y el dorado es de una calidad excepcionalmente buena. Las campañas de Napoleón en Egipto y la victoria de Nelson en el Nilo son temas comunes hacia 1810. Lowestoff (1757-1800). Es una porcelana de pasta blanda con tendencia a decolorarse. El esmalte no es particularmente vidrioso y presenta un ligero tono verdoso o grisáceo que se oscurece hacia los rincones. Todas las piezas realizadas durante los primeros diez años están decoradas en un frío azul bajo esmalte, el cual puede ir desde un tono grisáceo hasta casi negro. Se observan diseños chinoiserie y decoración en relieve y, a partir de 1760, la mayoría de las piezas presentan los colores de la paleta Imari. Las piezas son utilitarias. El asa de las teteras o cafeteras se arquea hacia fuera por el extremo que se une a la juntura inferior y las tazas presentan base cónica. En la base aparece un número en azul bajo esmalte. Longton may (1749-1760). Produce piezas excéntricas y un poco toscas. Básicamente realiza piezas en azul y blanco con pasta blanda bastante maciza y de superficie irregular. El esmalte grisáceo presenta pequeños puntitos negros y a veces grietas causadas por la cocción. Hay zonas en las que el azul bajo esmalte es muy oscuro y está corrido. La paleta de Longton May es distinta a cualquier otra, sus colores más característicos son el verde lima amarillento, el morado carmesí y el azul oscuro bajo esmalte. Hay soperas y platos modelados en forma de hoja o vegetal y las asas en forma de oreja con sus dos pestañas son las más complejas de esa época. Derby (1750-1848). La porcelana de la primera época de Derby es de pasta blanda, es poco porosa y casi parece pasta dura. El esmalte es blanco grisáceo y a menudo presenta pequeñas manchas. Luego de 1770, la pasta y el esmalte mejoraron. La porcelana es excepcionalmente blanca y el esmalte brillante y a menudo ligeramente azulado. Las piezas más comunes son pequeñas figuras en miniatura estilo ?jovencita en un columpio?, jarras para crema, cestas ovaladas, platos con forma de hoja y mantequilleras. Luego de 1770, con la adquisición de Chelsea, la producción se amplió cubriendo toda la variedad de piezas que hacían las otras fábricas y los diseños mejoraron considerablemente su calidad. Contaban con los mejores pintores y decoradores de Inglaterra, que a menudo demostraban su destreza decorando cada pieza de un servicio con un borde distinto. La paleta de Derby es parecida a la de Worcester, pero ésta incluye un característico turquesa opaco. Un diseño exclusivo de Derby son las cestas circulares con bordes perforados conocidas como cesta ?anteojos?. Las primeras figuras de Derby representan los típicos motivos alegóricos y pastorales, el modelado es demasiado rígido y está sobre bases sencillas. La mayoría es dejada en blanco y las pocas que se decoran son muy primitivas. Asimismo están frecuentemente mal pintadas. Estas figuras anteriores a 1756 se las llama de ?borde seco? debido a que el esmalte se retira del borde para que la figura no quede pegada a los soportes del horno durante la cocción. A partir de 1756, las figuras tienen más vida y gracia y se encuentran sobre trabajadas bases completamente integradas con las figuras. Los vestidos están cubiertos de pulidas y delicadas flores pintadas con colores suaves, entre los que suelen predominar el turquesa, el rosa y el rojo hierro. En el último cuarto del siglo XVIII,cuando el neoclasicismo desplaza al rococó, Derby produce bellas figuras de porcelana biscuit con minuciosos modelados. PORCELANA ALEMANA—————– Meissen (hasta 1728). Durante el último cuarto del siglo XVII un conde de Sajonia encontró la fórmula para fabricar una auténtica porcelana de pasta dura capaz de competir con la de China. En 1708 se registró la fórmula y se comenzó a fabricar el famoso gres rojo. Así, en 1708 se fabrica la primera porcelana dura europea. Los diseños de las piezas de gres rojo, también llamado jaspe-porcelana están influidos por las piezas de platería. Los vasos y las tazas altas están decoradas con realistas hojas de acanto modeladas alrededor de la base y las tazas altas tienen la forma de campaña al estilo de blanc-de-chine. Es muy notable la influencia de lo japonés tanto en las formas como en la decoración. Las primeras obras de Meissen no presentan marcas de identificación. Meissen (1728-1763). Esta segunda etapa comienza con la llegada de J. G. Herold, brillante pintor que le da a Meissen una exquisita decoración y la paleta que los hará luego famosos. La porcelana es de pasta dura, poco porosa y de tono grisáceo. Las piezas que tienen la base plana y están sin esmaltar presentan pequeñas astillas de arcilla pegadas debajo. El esmalte es más suave y vidrioso, y adquiere el aspecto frío y azulado asociado a la manufactura. Algunos rasgos para la identificación de las piezas realizadas durante estos años son las tapaderas de los potes en forma de alcachofa, las asas de las tazas, de forma arqueada con volutas que sobresalen en la parte inferior y las asas de los objetos grandes en forma de espoleta con pequeñas volutas en las junturas. Los colores más típicos son el turquesa, amarillo oscuro imperial, verde guisante, verde más intenso, morado o borgoña y rojo tomate. Hacia 1730, los temas de decoración europea fueron haciéndose más populares que los diseños orientales. Entre 1728 y 1763 se pueden observar cinco marcas distintas para identificar las piezas Meissen. En cuanto a las figuras Meissen realizadas entre 1731 y 1775, al principio tienen poca vida, son poco realistas, pintadas con colores llamativos y situadas sobre bases sencillas. A partir de 1740 se perfecciona la técnica, se utilizan colores pastel y bases macizas decoradas con volutas estilo rococó. Los personajes son variados: campesinos, pastores, figuras mitológicas, figuras chinas, animales, pájaros y más. En todas hay tanto movimiento en el modelaje que a menudo parece que las figuras están a punto de perder el equilibrio. Las piezas anteriores a 1740 están esmaltadas y la marca está en la parte inferior. Hacia 1740 la base no se esmalta y la marca tiende a desaparecer con el tiempo. Por ello se comienza a colocar la marca en la parte de atrás o en el costado de la figura. Meissen (a partir de 1774). En esta última etapa se abandona el estilo rococó a favor del austero neoclasicismo y se introducen las siluetas, figuras de biscuit, relieves clásicos de estilo Wedgwood y dibujos muy pequeños sobre fondos intensos. En el período neoclásico de Meissen son típicas las guirnaldas y los bordes dorados en las piezas. La postura estática y alargada y los minuciosos detalles de la ropa son característicos de las figuras. Así como el pelo claro y poco definido y los números grabados en la base. La decoración de muchos de los objetos está basada en estilos anteriores y el motivo decorativo cubre toda la superficie. Höchst (1742-1796). La porcelana dura de Höchst es excepcionalmente blanca. Por lo general no presenta imperfecciones y está cubierta por un esmalte vidrioso de tono blanco o cremoso. Las piezas de Höchst son objetos prácticos de decoración estilo rococó o neoclásico. Más que por su originalidad, se distinguen por ciertos rasgos sutiles. Las piezas de Höchst suelen presentar números o letras nítidamente incisos dentro de la base, que identifican a los artesanos. Los motivos de decoración incluyen flores, chinoiseries, escenas rústicas, figuras humanas y escenas de batallas y caza. La pintura de las piezas es de gran calidad. Algunas características del diseño son los bordes ligeramente curvados hacia fuera de las tazas y bols para el té, los pequeños platos cuadrifoliados, las jarras en forma de casco y las asas en forma de ?j?. Las figuras de Höchst, realizadas en la misma porcelana de pasta dura y libre de imperfecciones, son en el comienzo muy estáticas y pintadas con colores intensos. Posteriormente presentan movimiento, colores pasteles y abundan los rasgos infantiles y las figuras alrededor de un fondo calado. Generalmente las figuras están sobre una base alta de estilo rococó o sobre un montículo cubierto de hierba. La marca de Höchst, en forma de rueda no es prueba definitiva de autenticidad ya que después de cerrar en 1976, fue utilizada por otras fábricas que habían adquirido sus moldes. Frankenthal. Comienza a fabricar porcelana en 1751, durante el reinado de Luis XV en Estrasburgo, y luego se traslada a Frankenthal. Las primeras porcelanas están hechas de una fina pasta dura de color blanco, aunque luego la calidad decae al introducirse una arcilla más barata. El esmalte, de aspecto cremoso y grisáceo, es opaco y un poco más granuloso que el utilizado en otras porcelanas contemporáneas alemanas. El esmalte es atípico en cuanto absorbe los colores de la decoración dándoles a la porcelana un aspecto de pasta blanda, más que el de una pasta resistente. Las formas de los artículos utilitarios se inspiran en las piezas de platería del momento. En general las tazas de los servicios de té y café son sencillas y con suaves bordes acampanados. Las asas suelen ser lisas, con una hoja de acanto modelada o presentan exageradas volutas en forma de ?C?. Los bordes de las piezas más grandes a menudo están modelados imitando el entrelazado de cestería. Los temas decorativos más utilizados son los paisajes con ruinas clásicas sobre volutas doradas estilo rococó, los personajes estilo Boucher, los pájaros y ramas estilo Berlín, delicadas flores con zarcillos abiertos al estilo Estrasburgo y los chinoiseries. Las figuras son más grandes que las de otras fábricas, los motivos son tratados con más humor y el uso del dorado es abundante. Otros colores importantes son el morado, verde amarillento, amarillo grisáceo, azul ultramarino, grisáceo y marrón castaño. Las figuras de Frankenthal se encuentran entre las mejores de Alemania. Son siempre algo estáticas pero tienen su encanto en los pequeños e inocentes rasgos, sus grandes ojos y sus mejillas sonrosadas y manos desproporcionadas. La plasticidad de la porcelana Frankenthal permite un modelaje minucioso que su esmalte fino y opaco no oscurece. La mayoría de las bases son de forma de montículo cubierto por hierba o bases onduladas de estilo rococó con volutas moradas o doradas y con cantos arqueados que se doblan con papel húmedo. PORCELANA FRANCESA —————————- Chantilly (1725-1800). La manufactura se crea en 1725 y fabrica un amplio repertorio de piezas utilitarias y de decoración entre las que se incluyen figuras ?generalmente orientales-, jarras, teteras, platos, tazones altos, pequeñas escudillas y salseras, jarras para agua caliente y cafeteras. Es una porcelana de pasta blanda y tiene un esmalte cremoso y opaco como resultado de añadir estaño para disimular las imperfecciones. Las figuras en su mayoría no superan los 24,5 centímetros de altura, tienen decoración chinoiserie y están laboriosamente perfiladas en negro. El modelado es poco minucioso, especialmente en cara y manos. Las piezas que no están decoradas presentan el cuerpo blanco pintado en azul bajo esmalte u otros colores rococó como el morado o el marrón. Hasta 1750 la marca de todas las piezas Chantilly es un cuerno de caza color rojo. Posteriormente, cambia a azul bajo esmalte y a veces manganeso. Suele aparecer una letra debajo del cuerno que seguramente designe la inicial del nombre del propietario de la manufactura en ese momento.——————————————- Vincennes y Sevres inicial.————————– En 1738, con la ayuda de un artesano de Chantilly se funda la manufactura de porcelana blanda de Vincennes, a la que se le otorga un monopolio de 20 años para fabricar porcelana al estilo Meissen. En 1756 se traslada al castillo de Sevres. Cuando en Francia se encuentra una arcilla adecuada, en 1769 Sevres comienza a fabricar pasta dura y en 1803 abandona la fabricación de la mejor pasta blanda. Las primeras piezas de Sevres son entonces una porcelana de pasta blanda, de esmalte vidrioso y traslúcido con colores que parecen penetrarlos. La manufactura se centra en la fabricación de piezas utilitarias como cuencos, jarrones, servicios de té y vajillas. Si bien las primeras piezas son una imitación de Meissen, luego se crea un estilo propio. Los temas dominantes en la decoración son los paisajes, figuras, pájaros y flores y las pinceladas son más sueltas. Los colores de fondo sobre los que se pintan los paneles decorativos son azul cobalto, azul cielo, amarillo limón pálido, verde medio, violeta, rosa y azul oscuro. Los colores brillantes son realzados con el dorado mejor trabajado jamás visto en porcelana. Las piezas están marcadas con dos ?L? entrelazadas y, a veces llevan una letra en el centro que indica la fecha. También suelen tener alguna marca adicional, inicial o emblema relacionado con el artista. SEVRES REAL(1756-1780).————————- En este período se realizaron las piezas más complejas gracias a la contratación de los mejores artistas franceses y el gran control de calidad. Por ley suntuaria de Luis XV, solamente Sevres tiene permitida la utilización del dorado. Se fabricaron artículos que combinaban tanto la utilidad práctica como la decorativa. También realiza figuras de biscuit, cajas para relojes y placas. Piezas características son los arreglos florales, los trofeos dentro de reservas, los aguamaniles en forma de pera y las fuentes con forma ovalada con borde lobulado. En las figuras de biscuit, sin esmaltar y sin decorar, se aprecian los detalles del modelaje y el estilo neoclásico que dominó en Sevres a partir de 1770.———————– SEVRES(1780-1850).——————- Luego de la revolución francesa, bajo el mandato de Napoleón, se fabricaron piezas más trabajadas, del mismo estilo que las de Berlín, Viena y Meissen, que dan origen al estilo Imperial. En 1781 se introduce la decoración de joyería que consiste en aplicar gruesas gotas de esmalte, que imitan rubíes y esmeraldas. En 1800 se abandona la fabricación de pasta blanda que es difícil y cara, y se da con la fórmula de una nueva pasta dura de gran calidad plástica que permite realizar piezas neoclásicas de gran tamaño. Se desarrolla una gama de colores que proporciona a la decoración el acabado de las pinturas al óleo. Se sigue destacando el dorado de gran calidad. La nueva pasta es muy blanca, poco porosa y cristalina, y el esmalte muy claro, vidrioso, traslúcido y no presenta defectos. Entre 1793 y 1804 la marca fue ?RF? en azul. En 1803, 1804 y 1805 se emplean las letras ?MN? y ?LE? con Sevres escrito debajo en rojo. También se utilizan códigos para indicar fechas———————————————- SAINT CLOUD(1664-1766).—————— Es la primera fábrica de porcelana en Francia, las primeras piezas datan de 1690 y son una porcelana de pasta blanda, muy fina de tono blanco grisáceo y a menudo presenta pequeños puntitos negros. El esmalte es blanco, cremoso y verde oliva allí donde se acumula. No es muy brillante pero tiene un lustre cálido y satinado. La gran variedad de piezas utilitarias y decorativas incluye soperas circulares y tapaderas, teteras con asas en forma de dragón o cuello de pájaro, jarras en forma de pájaro, especieros con tres patas, cestas con flores incrustadas, mangos para bastones y cuchillos, candelabros cónicos, potes circulares, tazas y platillos, mantequilleras y vinagreras entre otros. Las asas de las teteras, jarras y tasas son gruesas y sinuosas y en las piezas más grandes están modeladas en forma de monstruosas máscaras de animales. La decoración, en las primeras piezas, en azul bajo esmalte incluye a menudo lambrequines al estilo barroco francés. A partir de 1730, el colorido sigue al estilo Kakiemon, pero es primitivo, estricto y de paleta diferente. El dorado se usa poco debido a las leyes suntuarias. Los colores dominantes de la paleta son el amarillo oscuro, el verde amarillento, el turquesa, el azul cielo, el rojo sangre y el negro. Las figuras realizadas en St. Cloud, son mayoritariamente chinoiseries y se han dejado en blanco para que pueda apreciarse el minucioso modelado. La marca más común de St. Cloud consiste en las letras ?StC? incisas sobre una ?T?. Otra marca común es un sol con una cara pintada.

Autor: MISCELANEAS-DE-AYER

COMO SABER SI UNA PIEZA ES DE BRONCE

FÁCILMENTE PODEMOS DIFERENCIAR EL BRONCE DE OTRO MATERIAL.

LO PODEMOS RASPAR, POR EJ CON LA PUNTA DE UN CUCHILLO, EN UN SECTOR NO VISIBLE DE LA PIEZA, SI ES DE BRONCE TIENE EL COLOR PROPIO SI NO LO ES APARECE UN COLOR DISTINTO.

Autor: ANTIQUESHOY

QUÉ TIPOS DE PORCELANA Y CERÁMICAS EXISTEN?

LA PORCELANA ——————– El término porcellana fue usado por primera vez en Europa por Marco Polo para definir la fina cerámica China. La porcelana es básicamente una cerámica vitrificada cuya materia prima consiste en una mezcla de piedra de feldespato pulverizado y caolín. Su finísima textura y su ausencia de porosidad la distinguen a primera vista de la loza, aunque tal diferencia sea menos obvia refiriéndola al gres, que tampoco presenta poros en su textura. Los Chinos definen la porcelana como la clase de cerámica que produce un sonido cuando se la golpea, mientras que en Occidente se considera su carácter translúcido como la característica más notable de esta cerámica de superior calidad. Siempre ha sido considerada como un artículo de lujo imprescindible para dar brillantez a las mejores mesas; su dureza, su facilidad para ser moldeada y sus posibilidades infinitas de decoración, la han hecho siempre digna de Reyes y Príncipes. Los primeros vestigios de porcelana que se conocen se remontan a la China de hace 4000 años y sus orígenes se sitúan en los yacimientos de Kaoling , situados en la provincia de Kiangsi. La porcelana tal y como la conocemos hoy alcanza su máximo esplendor durante la dinastía Sung, dinastía reinante en China durante el siglo XIII de nuestra era. Durante varios siglos, los comerciantes Florentinos y Venecianos comercian con Oriente y aportan a Europa esas maravillosas piezas de porcelana tan buscadas hoy por los coleccionistas. No es hasta bien entrado el siglo XVIII que se puede fabrican en Europa una porcelana comparable a la China. Fue Johann Friedrich Böettger que en el año 1710 consigue fabricar en Meissen pasta dura de porcelana. Durante años, el proceso de fabricación de la porcelana logra mantenerse en secreto. Sin embargo, la demanda de la nobleza europea por el maravilloso material no tarda en extender el conocimiento del mismo e impulsar el establecimiento de nuevas fábricas de porcelana. En Europa, la zona de Bavaria (situada en el Sureste de la actual Alemania) por su situación y especiales características, dará origen a una de las mejores porcelanas jamás fabricadas, en la que se combinan la técnica de elaboración germana con las magníficas cualidades de las materias primas básicas utilizadas. Aún hoy, a pesar de los enormes cambios que presentan los sistemas productivos, es la composición de la materia prima lo que determina fundamentalmente el aspecto y la calidad final del producto acabado. La actual composición de la porcelana se basa en la justa composición de los materiales que se describirán a continuación. El primer componente es el caolín que es una arcilla primaria procedente de la descomposición de rocas feldespáticas. El mayor porcentaje de su composición corresponde a la caolinita que es un silicato de alúmina hidratado, formado por una molécula de alúmina, dos de sílice y dos de agua. Tras la cocción es el material que da a la porcelana su coloración blanca y es el que mantiene la rigidez y estabilidad de la pasta a alta temperatura. El segundo componente es el feldespato. Los feldespatos constituyen el 60% de las rocas ígneas, son sílico-aluminatos de sodio (Albita), potasio (Ortioso) y calcio (Anortita). Representan la parte más importante de los fundentes utilizados en las pastas y derivados cerámicos. El punto de fusión de los feldespatos está entre los 1110 y 1530 grados centígrados. La presencia de álcalis da a los feldespatos un punto de fusión relativamente bajo, por lo que en la mezcla normal de arcilla, cuarzo y feldespato, este se reblandece y funde formando un líquido viscoso mientras que la arcilla y el cuarzo permanecen como partículas sólidas. El feldespato fundido satura gradualmente estas partículas distribuyéndose a través de la masa y manteniéndolas unidas gracias a su tensión superficial, gradualmente las disuelve en parte y reacciona químicamente, con lo cual las cualidades del producto resultante difieren del de las materias primas que lo forman. El tercer componente es el cuarzo que es un mineral de estructura compacta, durísimo y rígido. Debido a la fuerza de sus enlaces su punto de fusión es muy elevado, por lo cual en la pasta de porcelana es el cuarzo el que evita que las piezas se contraigan o deformen. Por lo tanto, se puede sostener que el comportamiento del sílice y en consecuencia del cuarzo en la cocción, está caracterizado por sus transformaciones y procesos de disolución con los otros componentes de la pasta. La conjunción de estas tres materias primas descritas y los correspondientes procesos intermedios de molienda, tamizado, mezcla y amasado, formarán la base de la porcelana que tras su modelado o prensado en platos, tazas, fuentes y demás piezas, pasarán por primera vez a un horno donde a una temperatura de 950/1000 grados centígrados durante 20 horas, perderán el agua de su composición, quemarán las sustancias orgánicas y resto de carbón que puedan contener y el caolín se transformará en meta-caolín, la materia dejará de ser plástica pasando a ser indeformable quedando con una porosidad del 25% idónea para el proceso de aplicación del vidriado. Genéricamente el proceso de vidriado consiste en cubrir los productos cerámicos y en particular a los materiales feldespáticos como la porcelana, con una película vítrea. En la constitución de los vidriados volvemos a encontrarnos con gran parte de las mismas materias primas utilizadas en la composición de la pasta base si bien en distintas proporciones. En la pasta de vidriado se incluyen carbonato cálcico y carbonato magnésico que facilitan la fusión de los vidriados, consiguiendo que la cubierta aplicada a la pasta alcance el punto de fusión a la misma temperatura, por lo que la fusión perfecta de ambas hace que su delimitación resulte difícil de apreciar a simple vista. Como último paso en el proceso de fabricación de la porcelana podemos mencionar el decorado de las piezas. Como afirma Angel Escárzaga en el libro Porcelana, Cerámica y Cristal, la decoración de la porcelana se suele hacer una vez vitrificada la pieza, es decir, sobre la cubierta. En caso de realizar la decoración sobre la pieza sin vitrificar (bajo cubierta), se corre el riesgo de que desaparezca en el segundo horneado, que se realiza para su vitrificado y fijación de color, debido a su muy alta temperatura. Por ese motivo, sólo una muy corta gama de porcelanas presenta este tipo de decoración. El típico ejemplo es el azul cobalto de las porcelanas chinas en blanco y azul. Los colores se obtienen de los óxidos simples. Estos necesitan de fundentes para adherirse a la pieza. Los fundentes más usados son el cuarzo, el feldespato, el bórax, el nitro, los carbonatos de sosa y potasa, el minio, el litargiro y el óxido de bismuto. Según el calor que necesiten para su fusión, los colores pueden dividirse en: colores de gran fuego, que se reducen al azul cobalto, verde, cromo, pardo, amarillo y rojo; colores a fuego de mufla, que representan una extensa gama de colores y se fijan a temperaturas relativamente bajas (mufla) y colores a semi-gran fuego, que adiciona colores a gran fuego a los de mufla.

Autor: MISCELANEAS-DE-AYER

CUÁLES FUERON LOS MUEBLES MAS ANTIGUOS? HISTORIA DE LOS MUEBLES

la historia del mueble tiene su origen  en la evolución y progreso de la humanidad, pero las primeras referencias bastantes completas que tenemos se refieren al antiguo Egipto.
Los egipcios ubican la mayoría de sus ciudades y pueblos en las cercanías del río, o a una distancia considerable o elevadas sobre montículos, intentando en ambos casos evitar los efectos de la inundación. Las principales ciudades eran elegidas por el faraón y todas ellas estaban organizadas de forma caótica, tomando como centro los edificios públicos. Las construcciones eran en su mayoría de adobe, material creado con paja y barro, debido a la ausencia de piedras y madera en la zona. Sólo los grandes templos y las construcciones funerarias utilizaban piedra sacada de las canteras de Wadi Hammamat u otras zonas cercanas a las fronteras.

Las excavaciones arqueológicas nos ha permitido saber que la casa egipcia estaba construida alrededor de un patio, demostrándose que fueron habitadas por un amplio número de personas y que fue creciendo respecto a las necesidades familiares, transformándose incluso en un conjunto de casas. La casa tenia una planta cuadrada con un espacio central precedido por una antecámara. A su alrededor nos encontramos los dormitorios y las habitaciones destinadas a almacén. Incluso en algunas casas de Tell el-amarna se han encontrado cuartos de baño. Estaban situados junto a la habitación principal y separados de ella por un muro bajo cubierto con caliza. Constaban de una zona de baño y de un retrete consistente en un asiento ubicado sobre una vasija rellena de arena.

Algunos miembros de grandes familias tenían amplias casas en las afueras de las ciudades, a modo de urbanizaciones de alto standing. Las villas estaban rodeadas de árboles y jardines con estanques, cocinas, talleres, establos, graneros y casas para los sirvientes. Los restos de mobiliario que nos han quedado no son muy abundantes y corresponden a las clases sociales más acomodadas. El taburete era el mueble universal egipcio ya que en su uso no se encuentran distinciones sociales. Más elitista es la silla y las camas, realizadas en madera. El ajuar era de lino y utilizaban unos reposacabezas para dormir.

Los muebles egipcios se caracterizan por su sencillez de estructura, utilizando clavijas de madera y ensambladuras elementales. La decoración es geométrica utilizando colores vivos. La ornamentación en los muebles de lujo, se realiza con bajorrelieves, taracea en oro o marfil y maderas finas, los motivos de animales y plantas. Un elemento interesante es el uol, realizado en madera, es una especie de media luna con pie que se utilizaba como almohada para separar la cabeza de la cama y no estropear los complejos peinados.

Para pintar los muebles, recubrían la madera con una selladora semejante al yeso, para después aplicar los tintes pigmentados sobre la superficie seca, se puede observar en muchas sillas, tumbas y otros objetos encontrados en yacimientos muebles decorados con gran lujo de detalles. Eran abundantes los escabeles, muestran una base cúbica formada por una estructura de listones de madera y el asiento curvado anatómicamente. Las camas muy simples estaban formadas por una base de madera a la que se fijaban cuerdas o tiras de cuero recubiertas de telas o pieles, los ejemplares mas ricos presentaban a los pies un bajorrelieve pintado. El resto del mobiliario eran arcones, lámparas, mesas de varios tamaños y utilidades, reposapiés decorados con garras de león o de toro, cabezas de felino y aves con alas desplegadas y generalmente policromados, reproduciendo escenas cotidianas de la vida social de la epoca.

Autor: CANE2

CÓMO LIMPIAR PIEZAS DE BRONCE

PODEMOS LIMPIAR EL BRONCE FROTÁNDOLO CON LIMÓN, DEJAR ACTUAR Y REPETIR LA OPERACION TANTAS VECES COMO SEA NECESARIO. SE PUEDE PULIR CON VIRULANA FINA.

SI LA PIEZA ES PEQUEÑA SE PUEDE SUMERGIR EN AMONÍACO.

CON LIMPIAMETALES QUE SE ADQUIERE EN FERRETERÍAS O CASAS DE ART PARA LIMPIEZA.

ESPERO SEA DE UTILIDAD. CUALQUIER CONSULTA NO DUDE EN HACERNOSLA LLEGAR, CON GUSTO RESPONDEMOS.

Autor: ANTIQUESHOY

HISTORIA Y ORIGEN DE LA PORCELANA VERBANO

El origen de este producto tan fascinante se remonta al siglo XVIII cuando vistió en Europa las mesas de las casas reales y de nobleza y se la llamaba «oro blanco«.

Etimológicamente la palabra porcelana deriva de «porcillus» nombre de un crustáceo del Mediterráneo a cuyo brillo y translucidez asociaron los europeos de los siglos XVI y XVII cuando a través de las Compañías de Indias, Portuguesas, Holandesas e Inglesas, trajeron al continente europeo piezas producidas en China durante la dinastia Ming

Desde 1953, la marca Verbano está instalada en el público que valora y disfruta para sí y sus afectos la buena mesa, como sinónimo de jerarquía, calidad y buen gusto en vajilla de porcelana.

Verbano es el nombre que utilizaron los romanos de la antigüedad para identificar lo que hoy conocemos como el Lago Maggiore ubicado en el Norte de Italia. Fue en esa zona donde en el siglo XIX se fundó una fábrica cuyo nombre, Verbano, fue trasladado a nuestro país

En 1995 el grupo Faiart de Portugal adquirió las instalaciones y la marca de la ex-empresa Porcelanas Verbano e incorporó la tecnología más avanzada para agregar aún más valor a un producto tradicionalmente apreciado.

Los nuevos diseños incorporados y el delicado trabajo de nuestros artesanos comenzaron a escribir una nueva historia.

Autor: MONICAPARRA2008

HISTORIA Y ORIGEN DE LA PORCELANA LLADRÓ

Los orígenes de Lladró se remontan a un pequeño taller artesano, construido a mediados de los años cincuenta en Almácera, cerca de Valencia. Impulsados por sus inquietudes artísticas y el anhelo de una vida mejor, los tres hermanos, Juan, José y Vicente Lladró, buscaron nuevas vías en la elaboración de la porcelana.
Desde un principio, el público se entusiasmó con sus creaciones, en poco tiempo el taller se amplió varias veces y un número creciente de colaboradores multiplicó la obra de los hermanos. Hoy las esculturas que nacen en la Ciudad de la Porcelana, en un proceso enteramente artesanal, se exportan a más de 120 países. Lo que más enternece a los amantes de la porcelana artística es el mensaje humano, el calor y la sensibilidad que emanan de las creaciones Lladró.
A continuación podrá informarse sobre los hitos en la historia de la empresa, segun la decada:
DECADA ‘ 50
1953
Los hermanos Lladró emprenden su actividad profesional en un pequeño taller de Almacera, pueblo rural de las cercanías de Valencia donde la cerámica tiene una arraigada tradición de gran riqueza y originalidad.
A parte de los platos decorados, jarrones, florecitas y otros artículos de regalo, Juan, José y Vicente Lladró crean sus primeras esculturas de inspiración clásica. Estas piezas cuidadosamente trabajadas ya poseen un encanto especial que despierta el interés del público.
1956
A partir de ese año, los hermanos Lladró empiezan a realizar esculturas en las que se puede apreciar una clara influencia de las tendencias del setecientos. La pieza «Ballet», una etérea bailarina, con su graciosa postura, la blancura de la piel con leves toques de color en mejillas y rodillas, y el intenso rojo de las zapatillas, evocan las obras de las manufacturas de porcelana del pasado, como Meissen, Sèvres o Capodimonte.
Destaca el tutú de la sílfide, cuya airosa caída se asemeja a una ilusión de tul vaporoso. Ya entonces, los hermanos Lladró mostraron su virtuoso dominio de la elaboración de encajes de porcelana.
1958
La pequeña empresa se traslada a una nave en la población vecina de Tavernes Blanques, puesto que el taller familiar se ha quedado pequeño. La demanda por las creaciones Lladró adquiere dimensiones inesperadas. Un número creciente de escultores, químicos y decoradores multiplica la obra de los hermanos.

DECADA ‘ 60
1960
La palabra «Spain» se incorpora al logotipo de Lladró como claro indicador de la vocación exportadora de la empresa
1962
Juan, José y Vicente Lladró inauguran la Escuela de Formación Profesional, ubicada en la misma fábrica, con la idea de transmitir a sus colaboradores sus conocimientos, su experiencia, y también, la esencia de su espíritu creativo.
En la actualidad, el Centro de Becas de la Ciudad de la Porcelana mantiene viva esa filosofía, preparando a jóvenes con talento para continuar la labor iniciada por los hermanos Lladró.
1965
Las esculturas de Lladró empiezan a introducirse en el mercado norteamericano. Un grupo de norteamericanos en busca de artículos para importar a su país descubren el encanto de las porcelanas Lladró.
La primera escultura que ven, una pequeña pastora, ya provista de los rasgos propios de la marca, cautiva a los visitantes desde el primer momento.
1967
El 2 de noviembre se inicia la construcción de la Ciudad de la Porcelana. Se planifica con la idea de crear las mejores condiciones para desarrollar una labor artística, combinada con el deporte y el ocio.
En la realización de la primera fase de este ambicioso proyecto se emplearán apenas dos años.
1968
Una llamada en los periódicos, dirigida a los empresarios para que faciliten puestos de trabajo a personas con discapacidades, basta para movilizar a los tres hermanos Lladró, que pronto empiezan a contratar a trabajadores minusválidos.
Desde entonces Lladró siempre se ha preocupado por incorporar a personas con algún handicap a su plantilla. Estos colaboradores se han integrado plenamente en el medio laboral y social.
1969
El 13 de octubre, el entonces ministro de industria inaugura las primeras instalaciones de la Ciudad de la Porcelana. Los tres hermanos fundadores ven realizado su concepto de un espacio idóneo para la creatividad y el minucioso trabajo artesano. Hoy más de dos mil personas conviven en el extenso recinto, contribuyendo a salvaguardar los valores de Lladró.
El lanzamiento de «Triste Arlequín», con su gesto conmovedor, marca un cambio importante en la evolución artística de los hermanos. Las líneas estilizadas, aparentemente desproporcionadas pero denotando una gran sensibilidad, caracterizarán el genuino estilo Lladró durante mucho tiempo. Dotadas de un aire romántico, estas piezas transmiten un mensaje profundamente humano.
La escultura «Grupo de caballos», elaborada en porcelana mate al estilo de los «biscuits» del siglo XVIII, capta toda la energía y la gracia de estos hermosos animales que siempre han ocupado un lugar privilegiado en el arte. También en la obra Lladró los caballos constituyen una constante a lo largo de toda su trayectoria.


DECADA DEL ‘ 70
1970
«Lectora», la elegante y vigorosa representación de una muchacha leyendo, es una de las primeras esculturas de la línea Gres. En este nuevo material los hermanos Lladró y su equipo creativo descubren todo un mundo de posibilidades expresivas. Los peculiares tonos terrosos y la luminosidad natural del Gres fascinan, especialmente en las reproducciones de la naturaleza o en temas exóticos.
1971
Surge la línea de los jarrones, un excelente medio para los pintores de Lladró. En la superficie cristalina despliegan toda su maestría dando vida, sobre todo, a motivos florales al estilo oriental y aves.
1973
Lladró afianza su presencia en el mercado norteamericano mediante la compra del cincuenta por ciento de las acciones de la empresa
Weil Ceramics & Glass.
1974
Este año se lanzan las primeras esculturas de la colección Elite, piezas elaboradas con un especial esmero por el detalle que denotan un gran refinamiento.
Con «Virgen mural» los artistas de Lladró incluyen el elemento mural en sus creaciones.
En el mismo año empieza a aplicarse el emblemático identificador azul brillante mediante una pequeña calca colocada en la base de cada pieza antes de pintarla, garantizando el origen y la calidad de las esculturas.
1976
Se lanza «Jugadores del Mesón» , primera escultura de Gres de la colección Elite. Esta imponente obra de ricos coloridos y variadas texturas está inspirada en personajes de la literatura del Siglo de Oro Español.
1978
«Ciervos perseguidos» narra uno de los momentos culminantes de la cacería. La captación instantánea del movimiento junto con los refinados matices de colores apagados constituyen el encanto de esta obra fascinante que forma parte de los fondos permanentes del Museo Real de Artes e Historia de Bruselas (Bélgica) y del Museo de Arte moderno de Santo Domingo (Republica Dominicana).

DECADA DEL ‘ 80
1982
La serie Esculturas da nombre a un conjunto de obras singulares que elevan al máximo la cualidad expresiva de las creaciones Lladró.
De producción muy limitada, estas piezas monocromas se acercan a la sobriedad de las esculturas clásicas.
1983
En «Puesto de flores», una composición llena de gracia y frescura, un carrito repleto de tulipanes, margaritas, claveles, gladiolos y petunias forma el centro de una amena escena de un aire naïf.
Las flores desde un principio han tenido un significado importante en la obra Lladró. Su elaboración requiere un alto grado de especialización, por lo que un grupo de artistas se dedica en exclusiva a esta tarea. Pétalo a pétalo van creando pequeñas obras únicas que fascinan por su delicadeza.
1984
El 20 de enero los hermanos Lladró abren las puertas al futuro permitiendo la incorporación de tres de sus hijos, uno por cada hermano, a la empresa.
Rosa, Mari Carmen y Juan Vicente Lladró realizaron un largo aprendizaje antes de asumir las tareas de mayor responsabilidad de la compañía, incluyendo las que se desarrollan en el comité de creatividad.
Este año también se construye el edificio de escultores, emblemático conjunto dentro de la Ciudad de la Porcelana.
1985
Nace la Sociedad de Coleccionistas reuniendo a lo largo de quince años a más de cien mil amantes de la porcelana de arte. En numerosos eventos y galas, celebrados en distintos países, sus miembros tienen ocasión de conocerse y compartir su pasión por las creaciones de Lladró.
La primera escultura anual, «Payasito con perritos», enternece los corazones de incontables personas sensibles en el mundo y se convierte en un clásico de la obra Lladró
1986
En enero, Lladró firma el acuerdo de Joint Venture con el grupo Mitsui, hasta el momento distribuidor de sus porcelanas en Japón. A consecuencia de esta alianza se crea la filial Bussan Lladró en Tokyo. Lladró es accionista mayoritario de la nueva sociedad.
El logo de Lladró, consistente en la flor del campanillo y un antiguo símbolo químico, se simplifica por segunda vez adquiriendo mayor plasticidad.
1987
En los Caprichos, una colección de obras que fascinan por su delicadeza casi inconcebible, los artistas de Lladró se han dejado llevar por la imaginación y el placer de la creación.
Los encajes y las flores adquieren en estas piezas un destacado protagonismo. Dos obras que maravillan especialmente por sus finísimos encajes, casi traslúcidos, son «Busto con mantilla blanca» y unas zapatillas de ballet colocadas aparentemente de forma casual, como si la bailarina acabara de terminar una actuación.
1988
El 18 de septiembre se inaugura el Museo y Galería Lladró de Nueva York. El edificio que conserva todo el encanto urbanístico de los años veinte está situado en la calle 57 de Manhattan.
Con las Goyescas se lanza una de las colecciones más innovadoras. Cada una de sus piezas conserva la frescura y la espontaneidad del boceto que ha servido como punto de partida a la obra.
Con la fundación de las empresas Lladró USA y Ordal Australia, que se dedicarán respectivamente a la distribución de las porcelanas Lladró en los mercados norteamericano y australiano, Lladró confirma su expansión internacional.


DECADA DEL ’90
1991
Las porcelanas Lladró se exponen en el Museo Hermitage de San Petersburgo, uno de los santuarios del arte en el mundo.
En la Sala San Jorge se presentan más de 120 esculturas, incluyendo la Colección Elite completa y una selección de las creaciones de serie limitada.
Desde entonces, dos piezas emblemáticas de la obra Lladró, «Carroza siglo XVIII» y «Don Quijote», forman parte de la colección permanente del Hermitage.
1992
Lladró está presente en el Pabellón de Valencia en la Exposición Universal de 1992 en Sevilla.
En él se exhiben piezas emblemáticas de Lladró junto con una exposición que detalla las fases de la creación de una escultura de porcelana.
Lladró se une a otras firmas líderes de Valencia en el patrocinio del pabellón que rinde homenaje a esta industriosa y creativa región de España.
1993
Lladró recibe el Premio Príncipe Felipe a la internacionalización. Este galardón, convocado por el Ministerio de Industria Español, pretende incentivar el esfuerzo de las empresas españolas por aumentar y mejorar su competitividad en el mercado nacional e internacional.
1994
«Luz de América», escultura simbólica que abarca toda la ilusión, la esperanza y el ímpetu por descubrir un mundo nuevo de los primeros emigrantes, se expone en el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo.
La muestra monográfica «Lladró de cerca» incluye veinticinco piezas emblemáticas. Desde entonces «Luz de América», creada con motivo del V Centenario del descubrimiento de América y donada por Lladró, ocupa un espacio privilegiado en la sala principal del museo.
1995
Blenheim Palace es el lugar escogido para celebrar el décimo Aniversario de la Sociedad de Coleccionistas Lladró en el Reino Unido.
El espectacular palacio, residencia de los duques de Marlborough, está situado en Woodstock, a diez kilómetros de Oxford, y acoge una exposición de obras Lladró cuyo último día coincide con la celebración de la Gala.
1996
El 18 de junio se inaugura el Centro Lladró en Madrid. Al acto, presidido por el alcalde de Madrid y por los miembros de la familia Lladró, asisten numerosos representantes del mundo económico, artístico y social de la capital española.
Con motivo de la apertura de la nueva sede, se instala una exposición especial que reúne alrededor de medio centenar de obras inspiradas en la ciudad de Madrid.
1997
El 26 de marzo, el Centro Lladró de Beverly Hills se inaugura con una exuberante fiesta amenizada por muestras de folklore valenciano, en presencia de algunas de las divas de Hollywood, como Lauren Bacall o Tippi Hedren.
El edificio de excepcionales dimensiones, con un atrevido diseño de gran elegancia, es una obra común de Juan Vicente Lladró, Rafael Tamarit y el renombrado arquitecto americano Ki Suh Park. Situado en 408 North Rodeo Drive, uno de los centros comerciales más afamados del mundo, contiene una exposición permanente de obras Lladró.
1999
Se lanza la Colección Legend que combina la textura delicada y traslúcida de la porcelana con el brillo del oro y las piedras preciosas. Una serie de criaturas imaginarias, hadas, duendes y angelitos nacen del amor de los artistas de Lladró por un nuevo reto técnico formal así como por la búsqueda de una nueva vía de expresión.
Este mismo año se inaugura el Centro Lladró en Las Vegas, ubicado en el espectacular hotel-casino «The Venetian». El hotel forma parte de un complejo del mismo nombre que reproduce, en Las Vegas, los encantos arquitectónicos de la romántica ciudad italiana.

DECADA DEL ’00
2000
«Inspiration Millennium» es una colección de esculturas metafóricas, creadas para dar la bienvenida al tercer milenio. Estas alegorías llenas de poesía apelan a lo mejor del ser humano, insinuándonos que tengamos presentes nuestros orígenes y reflexionemos sobre nuestro lugar en el universo.
En el corazón de Sydney se inaugura un Centro Lladró donde los amantes de la porcelana pueden admirar una amplia selección de esculturas. Las creaciones de Gres y de porcelana están allí expuestas en cuidados ambientes especialmente diseñados para realzar los valores artísticos de cada obra.
2001
Nace Lladró Privilege, un programa innovador de fidelización de clientes, destinado a prolongar el cometido de la Sociedad de Coleccionistas Lladró. Este nuevo concepto de servicio está pensado para ofrecer un trato todavía más cercano y especial a los amantes de las porcelanas Lladró
2002
Lladró recibe el Premio Príncipe Felipe a la Gestión de Marca Renombrada.
2003
Tras cincuenta años al frente de la empresa, los tres hermanos fundadores ceden su testigo a la segunda generación Lladró. Desde entonces, dos hijos de cada uno de ellos les representan proporcionalmente en el Consejo de Administración. A él se incorporan los miembros más jóvenes de la segunda generación: David, Ángeles y María José Lladró.
2004
Las tres familias Lladró acuerdan confiar la gestión ejecutiva de Lladró a un consejero delegado y director general de reconocida trayectoria en el sector de las marcas internacionales del lujo: Alain Viot abandona el Grupo Richemont para asumir el cargo.
2005
Lladró se convierte en patrocinador oficial del China Team, equipo de vela de la XXXII America´s Cup, que se celebra en Valencia.

ELECCIÓN DE PÚAS PARA FONÓGRAFOS

ES SUMAMENTE IMPORTANTE PREGUNTAR EL ESTADO DE LAS PUAS ANTES DE COMPRARLAS.

ESTAS CAJAS DE PUAS SON REALMENTE ANTIGUAS POR LO TANTO ES IMPRESCINDIBLE SABER EL ESTADO DE CONSERVACION DE LAS MISMAS PARA NO TENER UN DOLOR DE CABEZA!!

LAS MISMAS SON DE BRONCE U OTRO METAL, SINO ESTUVIERON CONSERVADAS BIEN, LAS VAS A ENCONTRAR OXIDADAS LO CUAL LA HACE INSERVIBLES O LO QUE ES PEOR VAS A ARRUINAR TUS DISCOS DE PASTA.

ACORDATE PREGUNTA SIEMPRE ESTO ANTES DE COMPRAR.

Autor: MIRTA CARBALLA

CÓMO RETAPIZAR SILLONES

EL SECRETO DE LA RESTAURACION DE UN SILLON , NO ES SOLO LA MANO DE OBRA QUE SE UTILIZA , ESPECIALIZADA , TAMBIEN HAY QUE MIRAR EL ESQUELETO DEL SILLON QUE TENEMOS QUE RETAPIZAR , SI ESTA FIRME SI NO TIENE POLILLA Y SI HAY QUE CAMBIAR EL RELLENO EN SU TOTALIDAD , PARA HACER UN TRABAJO BIEN REALIZADO , EN PRIMER LUGAR MIRAR EL ESQUELETO CUANDO SE DESARMA EL TAPIZADO VIEJO , EN LINEAS GENERALES TRATANDOSE DE UN SILLON ANTIGUO ES PREFERIBLE SACAR TODO Y NO CONSERVAR LO VIEJO DEJAR SOLO EL ESQUELETO Y REARMAR NUEVAMENTE EL SILLON , ES LA FORMA DE REALIZAR UN TRABAJO DE CALIDAD ASEGURADA , DE ESTA FORMA SE EVITA POSIBLES CARCOMAS , PULGAS Y DEMAS BICHOS , QUE SI NO SACAMOS EL RELLENO QUEDAN DENTRO DEL MISMO .

DE ESTA FORMA SE REALIZA UN RETAPIZADO DE SILLONES SILLAS COMO CORRESPONDE A ESPECIALISTAS .

Autor: ALVICTO

QUÉ HACER ANTES DE COMPRAR UNA PIEZA ANTIGUA

A la hora de adquirir una obra de arte, objeto decorativo, u otro elemento que forme parte del acervo cultural nos invade la duda cuanto este se encuentra restaurado.

La restauración y conservación de los objetos de arte se realizan a fin de mantener ese acervo y reservarlo para generaciones venideras. El fin es noble y bueno, pero también se presta a confusión. Que es la restauración de arte ? Es la preservación de los bienes culturales a fin de hacer comprender la integridad, estética, física, histórica, funcional, etc de los mismos. Examinar y dar diagnóstico sirve para aplicar medidas de conservación preventivas, curativas o restaurar propiamente

Que debe Ud hacer antes de adquirir una pieza ?

Primero: contemplela y no busque el defecto, dejese llevar por lo que transmite el objeto a sus sentidos.

Segundo: pregunte al vendedor la procedencia o si conoce algo referente al origen de la misma, preste atención al relato. Su actitud distendida le permitirá saber frente a quien está y frente a que está. Muchas piezas son «retocadas» o cambiadas de aspecto con el fin de evitar otros problemas como ocurre en piezas robadas.

Tercero: Ya es tiempo de ver en detalles y allí puede preguntar si la pieza tuvo algún tipo de intervención o restauración. Hay piezas que han sido restauradas y otras totalmente modificadas, por ejemplo: una taza de factura «Sevres» posee el pié roto, se modifica con una montura de bronce y otros «toques» y pasa a ser un florero «raro» de «Sevres». Existen otros artículos que pretenden ser lo que no son. Por ejemplo en nuestro país Argentina hubo bazares importantes a comienzos del siglo pasado que vendían piezas de Sevres por originales y tapaban con algún escudito dorado sin inscripción alguna la procedencia real de la pieza, por ejemplo factura de «limoges» o similares. El punto es que no faltó el que dijo: «esta es una pieza de Sevres realizada en talleres de limoges…

Cuarto: en el caso de una figura de porcelana, si el vendedor le dice: » en este dedito esta la restauración» lo más probable es que sea toda la mano, observe la calidad del trabajo. Los diminutivos son vicios ocultos superlativos. Los comerciantes tienden a minimizar detalles para asegurar la venta. Otro punto a tener en cuenta es que los objetos pueden ser sacados de su contexto original y cambiar su función totalmente y ser vendido como lo que no es. Ejemplo: un máquina pulverizadora de insecticida antigua se ofrece como «aspersor antiguo para rosales en jardines de inverno». Crealo, existen estos ilusionistas y este caso fué real.

Quinto: examine, diferencias de color, olor, textura, brillo, sellos raros o dudosos, relieves, marcas de dedos y demás, amarillentamientos de la pieza en uno o varios sectores, estos son signos característicos de restauración en porcelanas. En esta etapa es donde Ud podrá ver sellos «truchos» falsos en porcelanas, firmas apócrifas en cuadros o en muebles o hasta reproducciones de objetos de buena calidad, pero que si se venden como originales lo están estafando. La palabra reproducción no es «mala-palabra», pero si le venden una obra que es reproducción de otra como original, ahí está lo malo.

Sexto: la restauración no debe «EMBELLECER» jamás al objeto, sino volverlo al estado semejante al que se encontraba. En el caso de un cuadro se suelen encontrar retoques para «levantar» la obra, es decir que luzca más bella y que el cuadro sea comercial. No compre nunca esto, ya que la obra está adulterada. Ocurre también que hay láminas enmarcadas que fueron retocadas y son vendidas como obras originales al óleo, preste mucha atención.

Séptimo: Su equipo básico para examinar una pieza será una lupa de joyería de 10 x y si puede un pequeño artefacto equipado con luz U.V. El U.V hace evidente las firmas apócrifas, los retoques, repintes, agregados, suciedad y demás por diferencia de contraste. Las buenas reproducciones en offset de carbonillas o lápices, las verá con la lupa de 10 x al ver el tramado diminuto de puntos. Hay miles de estas. Cuidado.

Octavo: Si el trabajo de restauración es bueno y la pieza realmente le gusta, comprela, pero el precio es lo que debe negociar muy bien. Si la pieza sin intervenciones vale X pesos, una restaurada no vale lo mismo, sino entre un 25 a un 50 por ciento menos, dependiendo de la pieza y su valor cultural.

Noveno: Hay piezas en extremo bellas, que son verdaderos señuelos para compradores potenciales. Es decir el vendedor dice que tuvo una pequeña restauración, el trabajo se ve profesional, pero la pieza no es antigua, sino actual. Esto es fraude y Ud perderá dinero.

Décimo: En caso de cuadros, siempre han pasado por alguna restauración, asegúrese examinando la superficie que no se trate de una simple «lavada de cara» ó embellecimiento». En el momento que algunos comerciantes encargan «trabajos de restauración» a veces dan con una obra anónima y no tardan en «otorgarles» un padrinazgo con algún autor que haya pintado algo similar. El discurso de venta suele ser: obra tardía del autor tal, obra temprana del autor cual, u obra «rara». Habra los ojos. Hay gente seria, pero los estafadores están a la orden del día. Y otro caso frecuente es el de «restauradores» que no tardan en duplicar una obra original y entregar al cliente la obra «restaurada» que no es más que una copia, apropiandose del original. Existen maneras sencillas de evitar esto. Produzca una marca sutil para reconocer la obra después sin que se entere el restaurador.

Autor: RADIO EDISSON